Dispatx | Appropriation in Creative Practice | Make | RSS http://www.dispatx.com/rss/index.php?section=make&by=project&id=131 Dispatx Art Collective is a curatorial platform for the development and presentation of contemporary art and literature. Make is a showcase for work in progress related to the current theme, Appropriation in Creative Practice. Projects are developed online via integrated documentation tools allowing artists to post regular updates to their work in a continuous investigation of the creative method. Art en rss@dispatx.com Creative Commons 2008-04-28T12:31:21Z We provide a feed for all the work in progress as well as for specific projects - and when you register with the site youll be able to use a feed to track all of your comments and any responses they receive.

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]]> hourly 1 2000-01-01T12:00+00:00 <![CDATA[rich hours 4 mark 3]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3441 2008-04-28T12:31:21Z Peter Wilson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3441 ]]> <![CDATA[Metamorfosis | 04.27.08]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3440 2008-04-27T01:34:17Z Nashla Abdelnour tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3440 ]]> <![CDATA[last days 8:3]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3439 2008-04-25T02:07:11Z Gill Robinson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3439 ]]> <![CDATA[Falsificación, Apropiación y tantas otras cosas]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3438 2008-04-25T03:17:42Z Dispatx Art Collective tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3438 ¿Hasta qué punto uno podría ver las falsificaciones que hizo Van Meegeren de Vermeer como un acto apropriativo? Y más aún cómo ilustración del uso de la apropriación en la práctica creativa?
To which extend can one see Van Meeegeren falsifications of Vermeers painting as an appropriative act? And even more as an illustration of the use of appropriation in creative practice?
Los proyectos que formarán el centro neurálgico de la octava colección están finalizando el recorrido. Un recorrido que ha interfencias de distinta índole y en diferentes momentos - algunos mucho más álgidos que otros. Llegamos a un momento de culminación y reflexión, de entender las próximas etapas, los próximos movimientos. El diálogo se ha dado a diferentes escalas, algunas más transparentes que otras y también con diferentes intensidades. Como comisarios hemos fomentado el debate y el diálogo hasta cierto punto, pues no se trata de interrumpir el proceso creativo de cada individuo, sino de entenderlo y de promover, en la medida en que sea posible, un estado bullente. Ahora toca un trabajo de gestión, cerrar y publicar la colección, incluyendo otras propuestas que traigan nuevas miras sobre el tema desarrollado. Generar resistencia, darle sentido a la colección a través del discurso. También procurar desorganizar.
La apropiación es un tema que preocupa e interesa al arte desde siempre. la manera en que lo ha hecho ha ido variando y hoy en día podemos vincularnos más a las prácticas realizadas desde la década de los sesenta que cualquier intento anterior. Como comentó Sandra Gamarra en una de sus publicaciones, hoy quizá deberíamos hablar de adopción y no tanto de apropiación. Adopción de toda esa marea de imágenes que conforman un saturado archivo visual. Imágenes que quedan en orfandad por el siemple hecho del inabordable volumen y por la cantidad de capas de significado que uno puede adjudicar. Aunque la publicidad sea el principal vehículo de generación de discurso a partir de las imágenes que produce, distintos niveles de significado se yuxtaponen y los contextos se multiplican. El comisariado en sí tiene algo de apropiacionista al seleccionar y alterar el significado y sentido de las obras.
Las últimas publicaciones de Nashla Abdelnour son una serie de dípticos de fotografías apropiadas y en caada caso hay una imagen a color y una en blanco y negro. El trabajo de Nashla consiste en seleccionar y presentar un nuevo sentido al contenido al exhibirlo fuera de su contexto. La dialéctica de esas imágenes está en éxito de la conjunción de las dos imágenes. En algunos casos la narrativa que se produce parece más evidente que en otras. El espectador tiene que hacer un esfuerzo para que la obra quede concluida y este es un punto también interesante que queda en evidencia. El imaginario propuesto por Nashla nos invita a cerrar una historia mínima (o no) sobre lo que vemos y el hecho de que el material proviene de diversas fuentes y que su origen es desconocido no es importante. El anonimato como algo a lo que podemos relacionarnos. En el caso de Sandra Gamarra, vemos la construcción de un gran archivo que evidencia la apropiación/adopción en la práctica creativa. Las imágenes de las publicaciones artist using photography y the curious case of women conceptual artist hacen alusión a esa noción de adpotar y es casi como si adoptase la manera en que uno se apropia de algo y la manera en que uno trabaja. Haciendo obvio el proceso, también se hacen evidentes las herramientas que usamos y que no siempre tienen visibilidad. Y la última publicación varieties of conceptual art (visitando una posible exposición) - que me recuerdan al trabajo de Kirsten Pieroth cuando pidió prestada la cartela de la Giocconda al Louvre para exhibirla en un museo inglés - lleva el tema de la apropiación a nuevos niveles. Cuestionando la práctica curatorial y la museografía. Tocando el tema sobre lo que hace a una obra, en este caso conceptual, y los diferentes tipos de presentación y aproximación. ¿Qué tipo de vínculos de credibilidad se pueden crear entre el arte (exhibido?) y el espectador? ¿Se puede hablar aún de una identifiación en un mundo globalizado? y ¿el artista sigue representando lo local? ¿qué tipo de circuitos de convicción pueden producir el crítico de arte y el comisario para el espectador?
Hoy en día el mercado se ha apropiado de los procesos de legitimación de la crítica de arte y parte de la culpa la tiene la deformación del trabajo del comisario. La propuesta del comisario generalista (H. Szeemann) se ha desbordado y hace falta que la crítica y el comisariado vuelvan a trabajar de la mano para proveer significado y reductos de resistencia actualizados. Hace falta tambiñen definir el marco de lo artístico y de los roles del negocio del arte.
En este sentido, el trabajo del comisario en una colección como esta, con un tema tan amplio y tan adjudicable a cualquier cosa, es de buscar una coherencia entre las obras y el tema y nuestra propia opinión para hacer de mediadores entre eso y el público.
Es interesante también ver las últimas publicaciones de Scott MacLeod se van haciendo más esenciales o quizá abstrayendo más. Speech y Betaville. 02.17.08 son dos fotogramas que cuestionan la credibilidad del texto y del discurso - la palabra. La apertura al debate a partir de estos fotogramas apropiados es interesante también porque lo generan dentro del contexto que Scott a conseguido. En su descontextualización y recontextualización dentro de Betaville, las fotogramas capturados de las películas, donde precisamente se muestra el momento en que alguna de los personajes insinua un cuestionamiento sobre el lenguaje, plantean una meta- narrativa dentro de la hiper-textualidad de Betaville. Es casi como si él mismo estuviera cuestionando todo su trabajo, cuestionando la veracidad, poniendo al lector en una situación de duda y al mismo tiempo, reafirmando su propio papel como escritor. capacidad de generar opinión sin decir nada, sin hacer nada, sólo prresentando circunstancias o - aunque no es el caso - hechos. Una aproximación deconstructivista al propio material con el que trabaja.
La apropiación colaborativa de Peter Wilson y Gill Robinson también tiene algo de archivístico encerrado en un humor un poco hermético quizá. Tieene algo de cabinete de curiosidades, al mismo tiempo que tiene algo de la contemporaneidad del blog pero con recursos primarios. La correspondecia está completamente cerrada, el juego es entre ellos dos y el resto espectamos - intentamos contemplar, no hace falta entender como antes se creía. hay arte para todos y de todo tipo y en todas partes. Quizá hay demasiado, ddemasiadas bienales y demasiadas exposiciones, pero también empieza a haber más interés por una actualización del discurso crítico, por cuestionar y hacer nuevos planteamientos. Quizá el trabajo de Gill y Peter responde a la saturación visual y tiene más que ver con una visión del artista que trabaja introspectivamente, las claves de desciframiento no están tan asimiladas.
El caso es que tenemos que encontrar bajo qué tipo de instancias ha operado la apropiación en los difrentes proyectos que conforman y confromarán la octava colección. Extraer un sentido y una serie de recorridos y proveer ese canal de credibilidad desde donde se puede formular crítica, opinión y reflexión.

]]> <![CDATA[rich hours 16]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3437 2008-04-24T08:08:04Z Peter Wilson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3437 ]]> <![CDATA[last days 8:2]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3436 2008-04-22T06:16:48Z Gill Robinson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3436 ]]> <![CDATA[rich hours 13]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3435 2008-04-17T09:44:15Z Peter Wilson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3435 ]]> <![CDATA[rich hours 12]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3434 2008-04-15T01:20:31Z Peter Wilson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3434 ]]> <![CDATA[rich hours 8]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3433 2008-04-12T06:21:16Z Peter Wilson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3433 ]]> <![CDATA[Metamorfosis | 04.10.08]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3432 2008-04-10T12:25:01Z Nashla Abdelnour tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3432

Las fotos que componen estos últimos dípticos son todas fotografías apropiadas. Comprende las fotos reveladas y fotografías tomadas a diapositivas proyectadas. La intención es crear una relación entre las dos imágenes de manera que se perciban como un conjunto y no individualmente. Esto ayuda a desprender el sentido original e identidad de la fotografía, creando que ésta, al entrar en relación con otra imagen, cobre un nuevo sentido y hable de algo nuevo. De alguna manera se anula su historia inicial otorgándole una nueva.
Me parece interesante el papel que juega la percepción del tiempo y las relaciones que se crean al contraponer una fotografía en blanco y negro con otra en color.
De momento estoy intentando encontrar las mejores combinaciones entres los dos grupos de fotos. Estos son algunos intentos aunque no los considero concluyentes. ]]> <![CDATA[Good Morning, Good Morning]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3431 2008-04-10T11:02:30Z Dispatx tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3431
A sign spotted outside a church on the south coast of England, just after breakfast. I found myself wondering about how I couldnt really place the exact boundaries of the appropriation - whether it was a specific design that had been borrowed, or some unplaceable combination of elements coalescing into a memory jogger.]]> <![CDATA[rich hours 10]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3430 2008-04-10T09:19:55Z Peter Wilson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3430 ]]> <![CDATA[Metamorfosis | 04.08.08]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3428 2008-04-08T09:29:56Z Nashla Abdelnour tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3428 ]]> <![CDATA[rich hours 5 mark 2]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3427 2008-04-08T06:27:17Z Peter Wilson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3427 ]]> <![CDATA[varieties of conceptual art (visitando una posible exposición)]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3426 2008-04-07T07:12:09Z Sandra Gamarra tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3426 ]]> <![CDATA[Betaville | 04.07.08]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3425 2008-04-07T12:50:50Z Scott MacLeod tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3425 ]]> <![CDATA[On the Map - Millennium Galleries, Sheffield, UK until June 15th]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3424 2008-04-07T11:38:13Z Dispatx tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3424
In 1935 Phyllis Pearsall walked 3000 miles around London’s streets to design the London A-Z map. This remains one of the most ingenious examples of 20th Century mapping and one of the most common uses associated with the technique. On the Map examines through craft and design, the concept of mapping, exploring what a map is, what can be mapped and how it can be used and manipulated. It challenges the perceptions of the conventional notion of mapping and demonstrates the extent to which it can be stretched and utilised.
On the Map looks at mapping as the creation of simple links or more complex networks of links through various techniques, from physical maps of geographical representations to more abstract responses by contemporary craft and design makers. It explores the manipulation of conventional maps, non-geographical mapping and mapping in different formats. On the Map demonstrates how different craft and design techniques can be applied to the process of mapping, illustrating diverse approaches to the subject.
Regarding Posavec:
The maps visually represent the rhythm and structure of Kerouac’s literary space, creating works that are not only gorgeous from the point of view of graphic design, but also exhibit scientific rigor and precision in their formulation: meticulous scouring the surface of the text, highlighting and noting sentence length, prosody and themes, Posavec’s approach to the text is not unlike that of a surveyor. And similarly, the act is near reverential in its approach and the results are stunning graphical displays of the nature of the subject.
via kottke & notcot, which has some stunning images. See also A Chirograph]]> <![CDATA[last days 8:1]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3423 2008-04-07T11:17:13Z Gill Robinson tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3423 ]]> <![CDATA[Hoy los artistas necesitan ser más claros respecto a sus posiciones]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3422 2008-04-06T04:35:07Z Dispatx tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3422
“Hoy los artistas necesitan ser más claros respecto a sus posiciones” **
Entrevista a Liam Gillick
Aimar Arriola
"Writing has always been central to my artwork as is evidenced by the extended role that the written scenario has taken in the work since the commencement of “McNamara” in 1992, through to the current project "Construcción de Uno" (2004 onwards), but it was the pressure to write to deadlines that enabled me to make the written word a crucial component of my art. (....) I am not an academic nor am I schooled in theory. The writing reflects my interests and involvements and is replete with errors of analysis and misapplied theory." (Liam Gillick, preface “Proxemics. Selected writings (1988-2006)”)
Publicado en Arte Nuevo y la entrevista originalmente fue hecha por Aimar Arriola

- Tu trabajo se dio a conocer internacionalmente a principios de los 90, un momento que te sitúa en Francia en sintonía con una más amplia corriente de resonancias minimalista y conceptuales. Recientemente te has referido a ese periodo como el “contexto adecuado” en el que uno podía “ser artista al margen de hacer obra”. ¿Cuales son los condicionantes de producción que han cambiado desde entonces?
Liam Gillcik: Ese fue un tiempo en el que nuestro trabajo ya venía desarrollándose bajo lo que claramente podríamos denominar “condiciones postmodernas”; un tiempo en el que la idea de proyectarse hacia un hipotético futuro, decidir cómo podría ser ese futuro, o saber cómo se podría desarrollar el trabajo de uno en el futuro no era clara. La idea de operar en el contexto del arte careciendo de producción estaba conectada a esta idea, al hecho de que uno podía funcionar en el presente en diferentes tiempos.
Esto fue importante a principios de mi carrera, porque significaba no tener que actuar de la misma manera ante situaciones diferentes. Hay un aspecto que no se ha considerado lo suficiente con relación al contexto francés de esa época, y es esa espacie de estado de “trabajo suspendido” en el que operábamos, un sentimiento que nos llevó a crear un entorno de posibilidades, sin pensar demasiado en términos de arte y producción. Las cosas han cambiado bastante, el mercado condiciona en exceso, y a menudo hoy los artistas necesitan ser más claros respecto a sus posiciones.
- Otro de los aspectos por los que ese momento de principios de los 90 fue tan decisivo fue la emergencia de una nueva línea de comisarios de su misma generación. ¿Cuál es tu consideración actual hacia la práctica del comisariado?
LG: En efecto, gran parte del debate de la época giraba en torno a la cuestión del comisariado, sus límites y posibilidades. Desde entonces no es suficiente hablar de la división del trabajo o el reparto de responsabilidades en términos de oposición, y en la situación presente no podemos pretender que la responsabilidad de la mediación quede relegada a ciertas formas de práctica curatorial. Hay que ser muy cuidadosos con las generalizaciones, porque ya no existe un modelo de comisariado válido para todas las situaciones. Sigo trabajando con comisarios, incluso de generaciones posteriores, pero en muchos casos mi participación es requerida más allá de la producción o cesión de obra; se trata de situaciones en las que mi función es la de crear una estructura (intelectual). A menudo, esta colaboración con comisarios más jóvenes se materializa bajo la forma de una conferencia, o en la propuesta de una visión general, y no necesariamente en ser parte del contenido de sus proyectos. Este modelo de colaboración, que ha sido el caso en Rekalde, me sigue interesando mucho. Hoy gran parte de los comisarios de mi generación se han embarcado en una especie de viaje en constante búsqueda de lo nuevo, por lo que siento que ya no compartimos la misma información, y cada vez nos separa una mayor distancia.
- Una parte significativa de tu trabajo se desarrolla a través de la escritura. ¿Qué papel juega esta práctica dentro de tu obra en un sentido más amplio? ¿Ha variado tu relación hacia la forma textual a lo largo de los años?
LG: Te confieso que he estado trabajando en un nuevo libro los últimos tres años y he decidido suspenderlo de forma casi permanente. Estoy en un momento en el que cada vez escribo menos, en el sentido clásico de sentarse y enfrentarse a una página en blanco, y aunque sigo publicando textos, en la mayoría provienen de la forma oral. De pronto me di cuenta que había empezando a generar un cierto estilo con el que no me identificaba, por lo que comencé a utilizar más mi propia voz, literalmente, a transcribirla y editarla posteriormente convirtiéndolo en una nueva forma de escritura. Como forma de experimentación, también he tratado de escribir en francés, y aunque mi limitado vocabulario en esa lengua le dio cierta claridad a mi escritura, tampoco funcionó del todo. El problema es que si pretendes mantener un papel crítico a través de la escritura, tienes que encontrar un espacio propio, ser constante y trabajar de forma continuada. Y digamos que en la actualidad estoy disfrutando más con esta otra vía de escritura, que proviene directamente de mi voz.
- Tu práctica artística de los últimos diez años ha corrido paralela a tu labor como docente. Además, este año has participado en alguna experiencia como United_Nations_Plaza (UNP) --surgida en Berlín a partir de la suspensión de la Manifesta 6-- que planteaban una alternativa a estructuras académicas más tradicionales. ¿Cómo valoras la experiencia?
LG: UNP surge de la idea de involucrarse en algo colectivamente, de intentar construir “algo” entre todos (una comunidad, una nueva estructura social, etc.). A veces es positivo parar para simplemente discutir y hacer efectivas diferentes posturas. Veo ejercicios como este como momentos de “suspensión”, como un encuentro político o una reunión estratégica donde un grupo de personas plantean una postura sobre un tema, para que otra gente la desmonte. Por otro lado, este tipo de iniciativas responden a una situación de la que somos testigos desde hace ya quince años: que en realidad seguimos operando bajo postulados herederos del 68, de las semi-revoluciones de finales de los 60, en los que las preguntas siempre van dirigidas al estudiante, y creo que ya es hora de darle a esto la vuelta. Estamos en un momento en el que son los maestros (el poder) quienes deberían de ser claros a cerca de sus posturas y asumir responsabilidades, y esto es algo que se intentó ensayar en UNP. Pero también estructuras académicas más tradicionales puede ofrecer oportunidades; recientemente he desarrollado un proyecto con estudiantes universitarios en Nueva York en el que hemos tratado de definir, entre todos, las condiciones necesarias para lograr una “escuela perfecta”, un entorno “ideal” para el estudio, el pensamiento y el trabajo. Una especie de predicción sobre el futuro que no sabemos si se cumplirá.

(**) Mi entrevista con Liam Gillick tuvo lugar el 29 de noviembre de 2007 en Bilbao, horas antes de la conferencia que ofreció en la Sala Rekalde en el marco de la exposición colectiva "Arqueologías del futuro" (comisariada por Peio_Aguirre y ya clausurada). Su participación, a modo de “evento paralelo”, aportó una visión complementaria a la muestra y permitió aproximarse a algunas de las claves de su trabajo. Originariamente publicada en Mugalari.]]> <![CDATA[Metamorfosis | 04.05.08]]> http://www.dispatx.com/make/comments.php?item=3421 2008-04-05T01:00:05Z Nashla Abdelnour tag%20:%20dispatx.com,%20:%20dispatx.3421 ]]>